파트리스 파비스 교수의 한국공연예술 비평

- 최근 한국에서 공연된 4편의 서구연극의 연출법을 중심으로 -

● 강연자 약력

- Saint-Cloud 고등사범학교졸업

- 파리 3대학에서 마리보(Marivaux) 공연 연구로 박사학위

- 파리 8대학 연극학과 교수, 현재 한국종합예술학교 연극원 초빙교수

- “연극사전”, “공연의 분석” 등 연극, 영화, 무용, 마임과 관련된 10여권의 연구서 발표

- 국제적 명성을 지닌 연극기호학자, 공연예술의 이론과 실천 비평가

● 4편의 연극에 대한 개요

1. 『고도를 기다리며 En attendant Godot』(샤무엘 베케트)

- 공연: 극단 산울림소극장, 2006/09/12-2006/11/12, 임영웅 연출

- 1953년 파리의 한 소극장에서 <고도를 기다리며>가 초연된 이후, 사뮈엘 베케트는 무명의 아일랜드 작가로부터 일약 20세기 후반의 서구 연극을 주도할 대표 작가 중의 한 사람으로 부각된다. 그리고 후에 이어진 일련의 작품들이 지닌 내용과 형식면에서의 새로움과 문제의식은, 1969년 베케트를 노벨문학상 수상 작가의 반열에 올려놓기에 이른다. 도한 앵글로-색슨 문화권 출신이면서도 성년이 된 이후 파리에 머물며 자신의 모든 작품을 프랑스어와 영어로 번갈아 가며 쓰고 번역해 온 그의 특이한 이력은, 영미문학과 프랑스 문학의 경계를 넘나들며 수많은 연구자들의 관심을 집중시킨 요인이기도 했다. 초연 당시엔 격렬한 논쟁을 유발시켰던 ‘문제작’이었지만 50년이 지난 지금은 ‘20세기의 고전’으로 자리 잡은 <고도>는, 베케트 문학 전체를 통틀어 가장 활발한 논의와 폭넓은 공감대를 형성해 온 작품이다. 그런 만큼 이 작품이 서구 현대연극에서 지니는 위치와 소위 ‘부조리극’의 한 전형으로서의 의미 등에 대해서는 더 이상의 언급이 새삼스러울 정도로 충분한 연구가 이루어졌다고 할 수 있을 것이다. 그러나 <고도>라는 연극이 지닌 풍요로움은, 그것이 탄생한 지 50년이 지난 오늘날까지도 새로운 ‘만남’과 ‘기다림’ -등장인물들 간의, 그리고 무대와 객석간의-을 가능케 하고 또 의미를 재생산한다.

- 무대는 시골길.

앙상한 나무가 한 그루 서있을 뿐 아무것도 없다.

이 나무 아래서 블라디미르와 에스트라공이라는 두 떠돌이 사나이가 실없는 수작과 부질없는 행위를 하면서 <고도>라는 인물이 나타나기를 기다리고 있다. 거기에 포조와 럭키라는 기이한 두 사나이가 나타나서 한데 어울리다가 사라진다. 잠시 후 한 소년이 나타나서 “<고도>씨가 오늘밤에는 못 오고 내일은 꼭 온다”는 말을 전하고 가 버린다.

제 2막은 그 다음날이지만 제 1막과 거의 같은 패턴으로 되풀이되고, 마지막에 또 소년이 나타나서 같은 말을 전한다. 다른 점은 포조가 장님이 됐고 럭키가 벙어리가 된 점 -결국 <고도>는 오지 않는다. 이들이 기다리는 <고도>란 무엇인가. 신인가 죽음인가 행복인가. <고도>는 그 무엇이 아니면서 동시에 모든 것일 수도 있다.

시간과 공간이 단절된 상황 속에서 이 연극은 언제나 시작되고 끝나면서 또 어디서나 생길 수 있는 우리 모두의 이야기이다.

2. 『한국인들 Les Coréens』(미셀 비나베르)

- 공연: 한불수교 120년 기념작품, 극단 우투리, 성남아트센터 앙상블 시어터, 2006.11.10-2006.11.19

- 한국 전쟁에 관한 외국 작가의 첫 번째 희곡이라 할 수 있는 이 작품은 비나베르에 의해 한국전쟁이 끝난 직후인 1955년에 발표되고, 1956년에 초연된다.

- 미군의 폭격이 지나간 후, 북한의 작은 마을 ‘유원’의 모든 것이 파괴되고, 삶은 혼란에 빠지고 사랑하는 사람들은 죽었다. 마을 사람들은 일어나 다시 살아가기 시작하던 어느 날 유원 마을에서 멀지 않은 숲 속에 5명의 프랑스 유엔군 병사가 길을 잃고, 유원마을의 한 어린 소녀가 부상당한 한 프랑스 군인을 발겨한다. 소녀는 사망한 미군 병사의 시신을 묻는 것을 도와주고, 프랑스 군인은 소녀 오빠의 시신을 찾는 것을 도와준다. 소녀는 프랑스 군인을 마을로 데리고 오면서 이야기가 전개된다.

- 프랑스인 마리온 스코바르트와 한국인 변정주가 연출을 담당한 이 작품은 다음의 몇 가지 사항에 비추어 비나베르의 원저에 대한 상호문화적 해석의 하나의 전형이라 할 수 있다.

1) 매우들의 목소리로 다시 살아나는 죽은 영혼들

파괴자가 구원자가 되고 침략자가 해방자가 되고 침략자가 피해자가 되는 전쟁은 모든 것을 파괴시킨다. 연극 <한국 사람들>은 한국저쟁에서 죽은 모든 영혼을 불러내어 배우들의 몸을 빌어 한판 놀이판을 만들어 낸다. 그들이 넋이 편안히 전치로 흩어져 자연으로 돌아가게 하기 위한 한 판 씻김굿이다.

2) 전통의 현대화

배우들은 이 작품의 마을 사람들과 프랑스 군인들은 한국전통연희 양식과 꼬메디아 델아르떼의 전형적 인물 만들기(Stock Character)를 통해 되살려낸다.

3) 계속되는 전쟁에 대한 반성이자 통과의례

이 작품은 한국전쟁이 배경이지만 끊임없이 전쟁을 일으켜 수많은 민간인과 군인들을 공포 속에서 죽게 한 ‘문명화된 현대’의 야만적인 전쟁에 대한 기록이자 반성이다. 롤랑 바르트는 이 작품을 보고 주인공 벨레르가 “진정한 의미의 인간이 되어가는 과정”을 그린 작품이라고 지적했다. 프랑스 군인으로 상징되는 이데올로기와 문명, 마을사람들로 대표되는 자연간의 화해를 그린다. 이 화해의 과정에서 겪게 되는 모든 고통은 인류가 성숙하기 위해 반드시 거쳐야 하는 통과의례인 것이다.

4) 놀이를 통해 보여주는 전쟁이미지

‘우리 집에 왜 왔니’, ‘씨름’, ‘가위 바위 보’, ‘기념상놀이’, ‘죽 끓이는 놀이’ 등 우리의 놀이와 배우들의 몸짓과 옷을 이용해 보여주는 정쟁의 이미지들은 전쟁의 소용돌이 속에서도 한국 사람들이 겪어야 했던 고통의 메아리를 냉철하게 때로는 격정적으로 보여준다.

3. 『4:48 싸이코시스 Psycosis』 (사라 케인)

- 공연: 극단 풍경, 아르코예술소극장, 김정희 연출, 2006.10.21-2006.10.23

- 20세기 마지막 천재로 불리는 영국 출신 여류 극작가 사라 케인이 28세의 젊은 나이에 스스로 목숨을 끊기 전 토해낸 내적 독백 ‘4:48 싸이코시스’는 의식이 가장 명료해지는 때이자 자살이 가장 많이 일어나는 역설적인 시각 새벽 4시 48분을 모티브로 현대인이 처한 정신분열적 상황을 재현한다. 정신병에서 치료받고 있는 주인공은 “내가 사라지는 것을 봐, 모든 것이 사라지고, 모든 것이 시시해진다. 나의 생각은 살인적 미소와 함께 사라진다. 내 영혼 안에서 외치는 불협화음의 고뇌를 남기면서. 희망 없이”라는 말을 남기고 자살한다. 모든 것이 연속적이고 경계가 없는, 내용과 형식이 하나가 되는, 현실과 환상을 나누는 이성의 기저가 붕괴된 정신착란 상태에서 본질적인 나의 탐구, 진정한 소통은 가능한 것일까.

4. 『억척어멈과 그 자식들 Mutter Courage und igre Kinder』(베르톨트 브레히트)

- 공연: 극단 청우, 2006.10.13-2006.10.14, 복사골문화센터 아트홀, 김광보 연출

브레히트가 17세기에 일어난 30년 전쟁(1618-1648)을 배경으로 1939년에 쓴 서사극의 대표작품이다. 1940년대 초반에 개정되었고 서사적 기법이 완숙하게 사용된 사실적인 희곡으로 당시 파시즘과 전쟁에서 벗어난 독일 민족에게 호응을 얻었다.

- 억척어멈으로 알려진 안나 피에르링이 자식을 잃어가는 과정이 연대순으로 그려지고 장소 전환이 빈번하게 이루어지는 12개의 장면으로 구성된 삽화적 형식으로 펼쳐지는 작품이다. 억철어멈은 병사들에게 생필품을 팔고 다닌다. 벌이 좋은 장사를 쫓던 그녀는 탐욕스럽고 기회주의적인 성격으로 마침내 두 아들을 잃고, 귀머거리이자 벙어리인 딸마저 잃는다. 그녀는 홀로 행상 마차를 끌게 되는 때에도 전쟁, 자신의 장사와 불행이 밀접하게 관련된 사실을 깨닫지 못한다. 서사극 기법들이 많이 사용되는데 그 중 다른 시대나 장소에서 취한 상식적인 소재를 이용하여 관객에게 그 소재에 거리를 두고 비판하고 생각할 수 있게 해주는 역사화(historification)가 있다. 역사화는 소외 효과의 일부이다. 또한 각 장이 시작되기 전에 일어날 사건을 자막에 투사하거나 플래카드에 적어서 알려주는 기법은 관객이 미리 내용을 파악하여 그 속에 담긴 정치적․경제적 함의를 생각하도록 유도한다. 억척어멈이 점차 도덕적으로 타락해가는 모습이 풍자적 언어로 의식적으로 경쾌한 곡조에 실리는데 노래는 희곡과 내재적으로 관련되어 해설의 역할을 한다.

- 제 1장의 “사업의 노래”는 신원을 묻는 상사의 질문에 대한 대답으로 희곡적 대화의 연장이다. 제 2장의 “부인과 병사에 관한 노래”는 용감한 병사의 공적이 허무하다는 사실을 지적하는 노래이다. 또한 제 3장의 “형제의 우의를 맺는 노래”가 불리자 억척어멈은 딸에게 병사들과 사랑에 빠지지 말라고 당부한다. 제 4장에 나오는 “위대한 항복의 노래”는 억척어멈이 강자에게 반항하는 것은 무모하다고 설득하며 부르는 가장 유명한 곳이다. 부제가 “30년 전쟁의 연대기”인데 여기서 전쟁은 브레히트의 생각 속에 존재하는 모든 일반적인 전쟁을 의미한다. 그는 이익에 의해 조종당하는 주인공과 전쟁을 보여줌으로써 자본주의 경제체제의 변화를 주장하고 정치적인 교훈을 전하고자 하였다.

- 1941년 9월에 스위스 취리히 샤우슈필하우스극장에서 레오폴트 린트베르크(Leopold Lindtberg)의 연출로 초연되었다. 독일에서는 1949년 1월에 도이치극장(Deutsches Theater)에서 브레히트와 에리히 엥겔의 연출로 베를린 앙상블의 단원들에 의해 초연되었다.

● 강연의 주요 내용

- 이상의 4편의 작품을 통하여 한국 연극계에 대한 분석과 반성, 가능성과 전망을 살피고, 더 나아가 포스트모던 시대의 공연예술에 있어서의 주요한 특질들을 연출법의 변모, 텍스트(윈저)와 연출자의 갈등, 연극적 악보(partition), 무대적 담화, 코멘트와 여러 기호들(안무, 노래, 조명, 무대장치 등)의 역할, 연기(acting)과 퍼포먼스(performance)와 관계 등을 다루면서 검토한다. 텍스트와 그 의미를 탈맥락적이고 탈물질화하여 마치 오라토리오처럼 취급하는 작금의 연출의 경향은 계속될 것인가, 또는 지나친 무대적 해석과 지나치게 불필요한 연기의 난무를 경계하면서 오늘날의 변모된 청중 또는 관객을 이해하는 글쓰기와 연기 양식에 대한 새로운 규범으로 무장한 새로운 세대의 연출가들의 상상력이 절실히 필요한 시기인가? 연출 및 연극 전반에 대해 제기될 질문들과 풀어야 할 문제들은 수없이 산적되어 있다.

- [연출의 역사를 정확히 규정하기는 매우 어렵다. 대략 그 기원을 거슬러 올라가면, 고대 희랍시대의 chorus의 지휘자로부터 비롯된다고 생각할 수 있다. 코레게우스(choregeus)는 무용수들을 가르치고 스트로페, 안티스트로페, 동장, 율동을 연출해내면서 조화와 통일을 기하는 역할을 수행했다. 19세기말부터 20세기로 넘어오는 과정에서 실제적인 연출가의 등장으로 연출의 분야가 연극 속에 부각되어, 경극에서 연출가가 따로 생기게 되었다. 고든 크레이그(Gordon Craig)는 연극 연출을 하나의 통일화 작업으로 생각했다. 장치, 조명, 의상 정체를 연결된 작업으로 봄으로써 연극 연출의 기본 개념에 대한 혁명을 일으켰다. 1874년 삭스 마이닝겐 공은 베를린에서 극단을 만들고 연극에서 가장 중요한 것은 앙상블이라고 주장했다. 그는 연출이란 장치, 의상, 조명, 배우를 예술적 통일체로 흡수하고 조화를 이루는 집단 작업이라고 생각했다. 그의 이론은 파리 자유극장의 앙드레 앙뜨아느와 모스크바 예술극장의 스타니슬라브스키에게도 영향을 주었다. 연출의 분야는 높은 예술성을 성취해가며 계속 진보되어 왔다. 그리고 오늘날 연극 공연에서의 연출 분야는 절대적으로 중요한 위치를 차지하게 되었다. 연출의 역할은 한마디로 말해 하나의 희곡을 무대에서 형상화하여 관객에게 전달하는 것이라고 할 수 있을 것이다. 우선 연출은 작가에 의해 창조된 희곡 작품을 분석하는 해석자로서의 역할을 한다. 작푸메 대한 저확한 해석과 면밀한 검토가 선행되지 않으면 작가의 의도 파악과 작품의 방향 설정에 있어 오류를 범하게 되므로 매우 중요하다. 그러나 반드시 극작품을 연극 형식으로 옮기는 충실한 해석자로서의 역할만을 하는 것이 아니라, 연출가는 창조적인 예술가이기를 원해 원작을 자신의 독창적인 작품으로 꾸미려 한다. 이런 경우 연출가는 작품을 재구성하여 실질적으로 작가의 역할을 대신하게 된다. 이런 견해에서는 연출가를 창조자로 볼 수 있다. 그리고 연출은 연극의 각 요소들이 서로 통일성을 가지고 결합될 수 있게끔 모든 연극 분야를 지휘하고 융화시키는 역할을 한다. 이를 위해서 연출은 미술, 회화, 음악, 건축 등 무대화의 구성 요소들에 대한 충분한 지식과 창조적인 표현 능력을 가지고 있어야 한다. 또한 연습 진행의 전반적인 계획을 세우고 작품의 방향에 맞도록 공연 대본을 정리하며, 연습 시작과 함께 연극의 가장 중요한 재로 중의 하나인 배우를 훈려시켜 각자 맡은 배역에 몰입할 수 있도록 연기의 방법을 연구하고 제시하는 연습 진행자로서의 역할을 tnogd하게 된다. 하나의 연극 공연 구조에서 연출가가 수행하는 모든 기능을 정리하면 다음과 같이 말할 수 있다. (①작품의 선정 ②작가와 함께 작품 내용 수정 협의 ③매역 선정 ④배우와 관객을 위한 작품 해설서 인쇄 ⑤극장 계약 ⑥디자이너와 요원 고용 ⑦재원 조정 ⑧연극 공연 ⑨배경(scenery), 무대 장치(set), 의상, 조명 설계 ⑩프로그램 작성 ⑪광고 ⑫배우의 연습 지도 ⑬공연 중 흥행 및 사기 관리) 그러나 실제 공연 체제에 따라 조직 관리 및 인원 관리에서의 연출가의 기능은 증감될 수 있다. 모든 예술 장르가 가지는 공통적인 성질과 같이 연극 예술에도 균형, 비례, 강조, 통일 등의 미적 원리가 필요하며, 연출가는 이것을 고려하여 한 편의 연극을 구성할 수 이쓴 능력과 뛰어난 안목을 가져야 하며 체계적인 준비가 필요하다.]

- 예를 들어, “한국 사람들 Les Coréens”의 연출은 우리가 ‘실물 크기로’ 보게 될 때 매우 민감한 문제를 제기하고 있다. 이번 서울 공연 작품은 처음으로 한국에서 공연하므로 현재작을 공연하는 것인가, 혹은 쁠랑숑(Planchon), 쎄로(Serreau), 죠리스(Joris), 모네(Monnet), 크나프(Knapp), 떼오필리데스(Théoplidés), 스키아레티(Schiaretti)와 같은 거장들의 경험을 거친 짧지 않은 시간의 전통 작품을 공연하는 것인가? 비나베르가 한국 문화이던 다른 어떤 문화이던 막론하고 특정 문화와 연결짓지 않는 것들에 한국적인 색채를 입혀야 하는 것인가? 이 작품에서 50년대 한국의 모습이 시각적으로 드러나고 있는가? 극단 우트리에서 작업한 한국의 전통 무용과 움직임의 양식들은 한국문화예술적 맥락에 부함하는가? 한국 예술의 제스처, 육체 미학을 되찾아 내야 하는가? 모든 사람이 하나의 근본적 안무의 정체성을 확립해야 하는가, 아니면 단순히 무대미술, 그림 한 장, 유행하는 양식이면 족할 것인가? 이러한 약호화(코드화)된 비사실주의적 안무는 비나베르식 글쓰기의 추상화와 작가가 사용하고 있는 다성적(폴리포니) 연기에 잘 부합하고 있는가? 오늘날 관객의 기대치를 완전히 변화시켜 놓은 지난 50년을 어떻게 바라볼 것인가? 비나베르가 한국에 대해 알고 있는 것과 2006년의 한국인들이 자신들의 과거와 현재에 관해 알고 있는 것들을 어떤 관계를 설정할 것인가? 이렇듯 연출은 언제나 미메시스와 약호화 사이에서, 무형의 모방과 약화화되어 있지만 공허한 형태사이에서 움직여 왔다.